På Bachs tid var piporgeln ett av världens mest tekniskt avancerade instrument. Stefano Bianchetti/Corbis via Getty Images

Föreställ dig ett pampigt hus på en kulle, efter mörkrets inbrott en höstnatt. När dörren öppnas tränger en orgel genom den tjocka tystnaden och ekar genom de grottiga salarna.

Den låt som kommer till många kommer att vara Johann Sebastian Bachs Toccata och fuga i d-moll, BWV 565, ett orgelverk komponerat i början av 18-talet. De flesta människor idag känner igen det som en sonisk ikon för en viss typ av rädsla: spökande och ålderdomlig, den typ av sak som troligen tillverkas av någon – ett spöke kanske – som bär en smoking och lurar i en övergiven herrgård.

 Bach kunde inte ha trott att hans nästan 9 minuter långa orgelstycke skulle bli så starkt förknippat med hemsökta hus och olycksbådande intriger. Som musikforskare vars nuvarande forskning är inriktad på den musikaliska representationen av mystik, ser jag historien om den här låten som ett klassiskt exempel på hur betydelsen, användningen och syftet med musik kan förändras över tid.

30 sekunder av ren spänning

Bach var en tekniskt skicklig musikalisk hantverkare och en forskare i komposition. I sitt arbete sökte han plikttroget tjäna sin arbetsgivare, oavsett om det var en luthersk kyrka, ett kungligt hov eller ett stadsråd. Han var inte som de berömda kompositörerna från senare epoker – Mozart, Haydn, Liszt – som använde sina talanger för att skapa berömmelse och öka sitt inflytande.

Som Bach-forskaren Christoph Wolff har påpekat, Toccata och fuga tillhör repertoaren av virtuosa showstycken som Bach skapade för att visa upp sin egen skicklighet som orgelspelare.

För Bach, som inte lämnade några dokument som hänförde sig till detta stycke, skulle verket endast ha varit funktionellt, ett sätt att visa orgelns förmågor och att använda sin talang på bästa sätt – inte ett tecken på känslor, berättelser eller andra idéer.

Musiken i Bachs Toccata och fuga har mycket av sin spöklikhet att tacka dramat den använder: Harmoniskt utspelar sig den i ett dystert mollläge som i allmänhet är i linje med mer negativa känslor som sorg, nostalgi, saknad och förtvivlan.

Inom detta mollläge frigörs en slående melodisk kontur. Styckets första tonhöjd är den femte skalgraden istället för skalans första tonhöjd. Den oväntade noteringen skapar osäkerhet. Sedan är det en snabb nedstigning nedför d-mollskalan efter den första flimrande prydnaden.

Lägg till detta den tysta bakgrunden och de gravida pauserna mellan musikaliska fraser, och de första 30 sekunderna är ren spänning. En kraftigt kontrasterande textur – med massor av noter staplade på varandra – följer, vilket introducerar ljudkrockar och rik harmoni som sväller av kraft.

Stycket rör sig snabbt efter denna gripande början och följer obevekligt ett mönster av solofigurer varvat med massiva, dunkande ackord.

Orgelns spökande effekt

Piporgelns ljud förstärker styckets spöklika klang ytterligare.

Under barocktiden – ungefär 1600 till 1750 – orgeln nådde höjden av sin popularitet. På den tiden var det ett av mänsklighetens mest tekniskt avancerade instrument, och musiker framförde rutinmässigt orgelmusik under gudstjänster och på konserter som hölls i kyrkor.

Men som musikforskaren Edmond Johnson har förklarat, många instrument som föredrogs under barocktiden, såsom orgel och cembalo, hade blivit omodernt på 19-talet, gömda i förråd där de samlade damm.

När musikhistoriker och forntida musikväckare först tog ut dessa instrument för offentliga uppträdanden efter mer än ett sekel i lagring, lät de nu okända instrumenten ålderdomliga och knarrande för publiken.

Musikforskaren Carolyn Abbate har argumenterat att musik kan vara "klibbig" och samla nya betydelser när sammanhang förändras och tiden går. Du kan se detta på vägen Schuberts berömda "Ave Maria" – ursprungligen skriven som ackompanjemang till orden i Walter Scotts dikt "Lady of the Lake" – blev förknippad med katolsk andaktsmusik. Eller sättet Tjajkovskijs "Nötknäpparen" förvandlats från en underskattad nyromantisk balett i 19-talets Ryssland till en populär årlig jultradition i USA

En låt som fastnade

Så hur blev stycket förknippat med Halloween?

En landmärkefilm bidrog sannolikt till intrycket av att Bachs Toccata och Fuga förebådar något skändligt: 1931 release av "Dr. Jekyll och Mr. Hyde.” Rouben Mamoulians berömda bearbetning av Robert Louis Stevensons roman använder Bachs Toccata i inledningen. Inledande krediter till 'Dr. Jekyll and Mr. Hyde' (1931).

Verket sätter en ton av spänning och antyder djupet av ondska som Dr. Jekyll kommer att möta i sina experiment. I filmen framställs Dr. Jekyll som en amatörorganist som tycker om att spela Bachs musik, så det är lätt för en lyssnare att applicera Toccatans dramatiska, spänningsfyllda och komplexa karaktär på Dr. Jekyll och hans alter ego.

Sedan dess har musiken även använts i andra spöklika filmer och tv-spel, inklusive "The Black Cat”(1934) och det "mörka slottet" spelserien.

Även om Bach själv inte skulle ha tyckt att Toccata och fuga i d-moll var spöklika, kommer dess ursprung som ett ofarligt konsertstycke inte att hindra det från att skicka en rysning nerför folks ryggar varje Halloween.

Megan Sarno, biträdande professor i musik, University of Texas i Arlington

Denna artikel publiceras från Avlyssningen under en Creative Commons licens. Läs ursprungliga artikeln.